아디 할핀_영화감독/시나리오작가

나는 열렬한 무용 팬이었다. 이를 평행 이론(parallel life)에 비유해 말하자면, 아마도 내 삶의 일부가 댄서라고 해도 과언이 아닐 것이다. 나에게 춤은 가장 고도한 형태의 예술 가운데 하나다. 이는 마음이 쫓아갈 수 없는 방식으로 사람의 심장과 몸에 반향을 일으키기 때문이다. 그것은 이성적인 분석이나 단어에도 적합하지 않다. 사람들이 지닌 직감과 직관력에 연결되어 있기 때문이다.
바체바 무용단(Batsheva Dance Company)의 광팬으로 지낸 지 몇 년 후, 무용단의 홍보영상을 만들어 달라는 제의를 받았을 때, 나는 당연히 “네, 하겠습니다.”라고 답했다. 그런데 이런 제안에 대해 “네, 하겠습니다.”라고 대답하면서부터 나는 온갖 기회들로 가득 찬, 완전히 새로운 세계에 발을 내딛게 되었다.

‘Home Alone’이라는 저녁행사 크리에이티브 디렉터(creative director)인 타미르 에딩(Tamir Eting)은, “우리는 홍보영상이 필요하다.”라고 말했다. 그리고 그는 두 가지 조건을 제시했다. 첫째는, 홍보영상의 길이가 짧아야 한다는 것이었고, 두 번째는 19명의 앙상블 무용수들이 모두 카메라에 담겨야 한다는 것이었다. 하지만 그것만 제외한다면, 머리에 떠오르는 아이디어가 무엇이든 내 마음대로 표현할 수 있는 상황이 주어졌다.

나는 머릿속으로 여러 아이디어들을 떠올리고 고민해 보았다. 영화라는 장르는, 매우 구성적이고 계획적인 유형의 예술이지만, 나는 춤으로부터 연상되는 자유와 즉흥성을 묘사하고 싶었다. 즉, 내가 마음속에 그리던 그대로 무용수들을 영상으로 보여주고 싶었던 것으로, 그 컷은 자유롭고 야생적이며 놀랍고 신성한 것이었다. 나는 영화 예술을 이용해 나의 주관적인 경험을 재창조하고 싶었다. 다시 말해, 관객들을 놀라게 하고 그들의 마음을 사로잡으면서 동시에 내가 그들을 바라보는 것처럼 무용수들을 경이로운 창조물로 그리고 싶었던 것이다.

‘Home Alone’이라는 홍보영상의 제목과 그것이 가지는 의미에 대해 생각하는 과정에서, 나의 영화 인생 15년 만에 처음으로 대담하게도 계획과 구조를 포기하기로 했다. 즉, 대본을 짜고, 내가 영화에 담고자 상상했던 것과 이에 어울리는 장소를 찾는 것과는 반대의 방식으로 작업하기로 마음먹은 것이다. 그러한 방법으로, 먼저 나에게 영감을 줄 만한 장소를 찾고, 그 이후에야 그 곳에서 내가 무엇을 할지 결정하는 것이었다. 그때까지만 해도 나는 영화제작의 도그마에 갇혀 있었으나, 이러한 결정덕분에 처음으로 나만의 창조적인 자유를 맛보는 첫걸음을 뗄 수 있었다. 춤은 자유이며 내가 만일 그러한 춤을 추는 무용수들을 카메라에 담고 싶다면, 나 역시도 자유로워져야 했다.

그리고 바로 그 때, 마법이 시작됐다. 당시 내가 살던 곳 인근에는 벽돌로 지어진 큰 건물이 하나 있었는데, 이 건물은 원래 1920년대에 지어진 공장 건물로서, 오래전에 문을 닫아 방치되어 있었다. 나는 늘 그 건물 안으로 들어가고 싶었지만, 그 건물은 높은 알루미늄 담장으로 둘러져 있어 나와 같은 호기심 많은 영화감독의 눈길이 채 닿지 못했다. 그런데 마침 어느 날 집에 가는 길에, 그러니까 호기심으로 이 건물 주위를 맴맴 돌면서 15년 이상을 보내고 난 뒤에야, 나는 처음으로 살면서 이 건물의 문이 열려 있는 것을 보게 되었다. 나는 그 건물 안으로 들어가 보았고, 놀랍게도 그 건물을 리모델링하려는 새로운 건축주를 만나게 되었다. 다행히도 건축주는 이 건물의 신비한 장소를 나에게 소개시켜주겠다고 하여 나는 그와 함께 건물을 둘러보게 되었다. 나는 그에게 현재 바체바 홍보 영상을 찍기 위해 장소를 섭외 중이라고 말하자, 그의 눈이 순간 반짝 빛났다. 놀랍게도, 그는 자신이 바체바무용단의 열렬한 팬일 뿐만 아니라, 무용단을 후원하고 있다고 말했다. 그리고 그는 그 자리에서 바로 나에게 마음대로 건물을 살펴볼 수 있는 자유와 그곳에서 영상촬영을 할 수 있도록 허락해 주었다. 나는 긴장을 풀고 그 공간에 자유롭게 내 마음을 내려놓았고, 그에 대한 보상이 이뤄졌다.

나는 하루를 꼬박 그곳에서 보내면서 그 장소에 빠져들었고, 이 건물로부터 끌어올릴 시각적이고 감정적인 요소들을 찾아보았다. 그리고 내가 꿈꿀 수 있는 물리적인 장소가 확보되자 스스로에게 몇 가지 질문들을 하게 되었다. ‘Home’, ‘Alone’라는 두 단어가 내게 의미하는 것은 과연 무엇이며, 버려진 공간에서 나는 무엇을 할 수 있을지에 대한 것이었다. 나 역시 그동안 버려진 공간에서 촬영한 숫한 무용 영화들을 봐왔었다. 그러한 영화에서는 낡고 부식된 공간과 살아 움직이는 젊은 신체들 사이에 이뤄지는 대조가 늘 아름다웠다. ‘하지만 그걸로 충분한 건가?’ 아니, 나는 그 이상을 원했다.

나는 그 공간에서 무용수들이 춤을 추는 모습을 상상해 보았다. 그리고 무용수들의 동작을 통해 공간의 비밀이 드러나고, 무용수들의 신체가 발견되는 상상을 했다. 그리고 공간과 그 안에서 춤을 추는 무용수들 사이에서 연관성을 발견하게 되었다, 내가 갖고 있는 아름다운 자산, 즉, 텔-아비브(Tel-Aviv)에서 가장 매혹적인 공간과 그곳에서 춤추는 이스라엘 최고의 무용수들과 함께 말이다.

그 후로 나와 함께 활동하는 촬영감독 로만 리네츠키(Roman Linetsky)를 이 장소로 데려왔다. 우리는 이틀 동안 그 곳에서 지내면서, 우리의 촬영에 기초가 될 컷들을 사진에 담았다.

공간을 분석과 더불어 무용 시퀀스를 생각해내며 19명에 이르는 무용수들을 비디오에 모두 담는 것은 나에게 큰 도전이었다. 행사 디렉터 타미르와 공동 제작자 노암 에이델맨(Noam Eidelman)과 함께 논의한 결과, 우리의 작업은 정해진 안무에 맞춰 움직이는 것이 아닌 즉흥무용으로 진행하도록 하고, 무용수들이 자신들의 신체를 사용해 각각의 퍼스낼리티를 마음껏 표현할 수 있는 방향으로 작업하도록 결정했다.

건물과 의상의 선택에 있어, 흰색-청색-분홍색으로 이루어진 해당 건물의 인테리어와 어울리는 분홍색 톤의 의상들을 선택했는데, 이는 모든 것이 유기적으로 느껴지게끔 하는 것이 중요했기 때문이다. 그리고 나는 그 건물에서 맥박이 느껴지길 원했다. 그 건물이 바로 기초적인 근원들로까지 완전히 발가벗겨진 양-벌거벗은 시멘트 벽-느껴진 것처럼, 나는 무용수들도 가장 자연스런 상태로 담고 싶었다. 가능한 한 자연스럽고 벌거벗은 채로 말이다.

촬영이 있기 하루 전날, 나는 모든 앙상블 무용단 무용수들을 모아놓고 앞으로 우리가 하게 될 것이 무엇인지에 대해 얘기해주었다. 하지만, 내게 그 곳은 앞으로 무슨 일이 벌어질지 정확히 알지 못한 상태로 난생 처음으로 감독을 하게 된 자리였으나 바로 이 점으로 인한 대단한 스릴이 있었다. 빽빽한 일정들 속에서도 로만과 함께 계획했던 대로 아주 매끄러운 촬영이 진행되었으며 타미르와는 우리가 원하는 동작들의 유형이 무엇인지에 대해 매우 명확한 생각을 공유하고 있었다.

나는 무용수들에게 “우리는 함께 섹스를 할 것이다.”라고 말했는데, 이게 내가 그들에게 말할 수 있는 전부였다. 이 말을 듣자 그들은 모두 웃음을 터뜨렸고, 덕분에 서먹서먹한 분위기도 사라졌다. 내가 촬영을 할 때 느끼던 불안감과 긴장감도 함께 말이다. 하지만, 실제로 나는 말 그대로의 ‘그것’을 의미했다. 나는 무용수들을 알지 못했고, 그들도 나를 알지 못했지만, 그곳엔 엄청난 흥분이 감돌고 있었기 때문이다. 이것은 내가 전문무용수들과의 첫 작업이었고, 이들 무용수들 가운데 대다수도 전문영화제작자들과의 첫 작업이었기 때문이다. 그래서인지, 내게 이 작업은 전반적으로 우리에게 감도는 흥분을 다루는 일이었다. 이것은 마치 탐구에 관한 것으로, 두 명의 새로운 신체가 처음으로 몸을 만질 때 서로를 발견하게 되는 것과 동일했다.

나는 그들에게 “나는 내일 우리가 무엇을 할 것인지에 대해 매우 명확한 생각을 가지고 있다. 반면에 나는 앞으로 무슨 일이 벌어질지에 대해선 전혀 아는 바가 없다. 따라서 나는 여러분들을 놀라게 할 것이고, 여러분들도 나를 놀하게 해주길 기대한다.”라고 말했다. 그러자 정확히 그런 일이 벌어졌다. 그렇게 벌어진 일 가운데는 내가 이미 마음속에 그리던 특정한 것들도 있었지만, 한 명의 무용수가 카메라 프레임에 들어오자마자, 그들은 내가 꿈꾸던 것 이상의 것들을 해냈다. 그리고 그들이 자신들의 몸을 펴면서, 그들은 내가 상상도 할 수 없던 곳으로 나의 상상력을 확장시키기도 했다.

그리고 이들을 통해 내 영화경력 사상 처음으로, 나는 유연성이라는 것이 의미하는 바를 깊이 있게 느끼게 되었다. 신체와 마음, 그리고 영혼의 유연성 말이다. 무용수들은 내가 내리는 지시에 개방적이었고, 나 역시도 그들이 보여주는 신체에 개방적이었다. 로만과 나는 애초에 우리가 계획했던 대로 촬영을 진행했지만, 무용수들이 나를 놀라게 해주었으면 하는 바람을 로만에게도 갖고 있었다. 그러자 그도 그걸 해냈다. 그가 자신의 손으로 카메라를 잡았던 두 번째부터는 마법이 일어났던 것이다. 로만은 진정한 예술가이자, 감독이라면 누구나 같이 일하고 싶어 할 최고의 무용 영화 촬영 기사이기도 하다. 그는 주의 깊고 섬세했으며, 여태까지 어느 누구도 해내지 못한 방식으로 신체의 움직임들을 잡아냈다. 나는 모니터를 계속 응시하면서, 그들이 그 같은 아름다움을 만들어냈다는 사실이 믿겨지질 않았다.

그 날이 다 끝나갈 즈음, 우리는 비디오의 피날레를 완성하기 위해 고군분투했다. 우리는 이미 그 안에 19명에 이르는 모든 무용수들이 담긴 최종 프레임을 찍었지만, 그 부분에 이르는 무언가 스펙터클한 것이 있었으면 했다. 그러자 로만이 어떤 기둥 뒤에서 한 무용수가 뛰어 오르면, 이와 동시에 모든 무용수들이 다른 쪽에서 일제히 나타나, 이들 모두가 최종 지점에 착지하자는 말도 안 되는 아이디어를 내놨다. 그의 제안을 듣고서 나는 그가 제 정신이 아니라고 생각했는데, 그도 그럴 것이, 우리에게는 그런 장면을 정확히 찍기 위한 기술이 없었기 때문이었다. 마지막 동작을 각기 다르게 몇 차례 “안무”하고 시간이 다 되어, 결국 나는 로만의 말도 안 되는 아이디어를 시도해보기로 했다.

그러려면 무용수들은 방의 한쪽 끝에서부터 달려와야 했고, 그와 동시에 기둥 뒤에서 점프해 우리가 무용수들의 “착지” 지점으로 정해놓은 곳에 정확히 착지해야만 했다. 나는 그런 동작이 불가능할 것이라고 생각했다. 우리가 말한 지점에 무용수들이 실제로 정확히 착지할 가능성이 대체 얼마나 되겠는가? 하지만, 바로 이 지점에서 내가 무용과 무용수들에 대해 아무 것도 모르고 있다는 점을 깨달았다. 우리가 첫 번째 테이크를 촬영하자, 그들은 가뿐히 해냈기 때문이었다! 정확히 우리가 그들에게 얘기한 그 착지 지점에 말이다! 이러한 일이 실제로 벌어지는 것을 본 나는 심장이 멎어버렸다. 당연히 그들은 그걸 해내버렸다! 그들은 무용수들이니까! 그들은 무엇이라도 해 낼 수 있는 것이다!

작업의 다음 단계는 편집이었다. 편집은 늘 까다로운 과정이었다. 이 작업은 사람들이 흔히 생각하는 것보다 시간이 더 오래 걸리는 작업이다. 편집을 어떻게 하느냐에 따라 영화 한 편을 죽일 수도 있고, 영상 자료 화면에서 최고의 것을 끌어낼 수도 있다. 영화제작을 가르치던 시기에, 나는 필름이 처음에는 지루하고 거친 장면들에서 놀랄 만큼 흥미 있는 이야기로 바뀌는 변환 과정을 지켜봐왔었다. 그러니 편집자야말로 진정한 마법사인 것이다. 바로 이런 이유 때문에 나는 뮤지션이자, 드러머이며, 지구상에서 동작을 가장 뛰어나게 편집하는 사람인 샤하르 아마릴리오(Shahar Amarilio)가 당연히 이 자료화면들을 편집해야 한다고 생각했다. 나는 운 좋게도 그를 친구로 두었던지라, 그는 나의 계획에 대해 들어보고는 바로 자신이 그 일을 하겠다고 승낙했다.
내가 샤하르와 작업하는 것을 좋아하는 데는 이유가 있는데, 그것은 그가 작업을 하면서 첫 번째로 하는 일이 나를 편집실에서 추방시킨 뒤, 일주일 동안 나에게 아무 말도 하지 않기 때문이다. 이번에도 나는 그에게 이번에 찍은 자료화면을 넘기면서 그것에 대해 아무 말도 하지 않았다. 그는 넘겨준 자료화면에 익숙해지는데 며칠을 쓰더니, 일주일이 끝나갈 때쯤엔 나보다 그 자료화면에 대해 더 잘 알고 있었다. 그동안 나는 나 나름대로 그 자료화면을 보면서 리스트를 만들고 있었다. 내가 가장 좋아하는 부분들에 표시를 하고, 내가 어느 곳에 편집을 원하는지 매우 정확하게 써내려가면서 말이다. 그러나 그렇게 자세히 쓴 긴 리스트를 샤하르에게 넘기면, 그 종이들은 그에겐 쓸 만한 마우스패드나 재떨이 받침 신세가 되어 버린다. 심지어 그는 그것에 눈길 한 번 조차 주지 않는다. 하지만 내게는 그러한 과정이 우리 둘이 상상했던 것이 편집실에서 만나기 전에 내가 찍은 자료화면을 알아가고 가공하는 데에는 중요한 경로가 된다.

내가 작업해 온 모든 프로젝트가 그랬던 것처럼, 역시나 첫 번째 편집 본은 썩 좋지 않았다. 이미지들은 아름다웠고, 리듬도 있었으며, 그 안에는 19명의 무용수들 전부가 나왔지만, 무언가가 빠져 있었다. 바로, 영혼이었다. 그래서 나는 샤하르에게 촬영에 들어가기 전에 내가 무용수들에게 무슨 얘기를 했는지 알려주었다. 즉, “섹스를 생각하라”고 했던 얘기 말이다. 그게 전부였다. 그런데 샤하르는 내가 무슨 말을 하는지 바로 알아들었다. 그가 두 번째 편집 본을 가져왔는데, 그제서야 그는 비로소 자기가 작업하던 편집실 방문을 내게 열어주었고, 우리는 거기서 최종 결과가 나올 때까지 함께 작업을 하기 시작했다.

샤하르는 정말 천재다. 그의 편집은 ＜Home Alone＞영상을 안무하는데 있어 큰 부분을 차지하고 있다. 한 동작을 다른 동작과 연결시키는 그의 편집 방식은 매우 뛰어난 것이었다. 그러다보니 최종 편집 결과는 내가 애초에 상상했던 것보다 훨씬 더 좋았다. 로만의 아름다운 영화 촬영기술, 음악에 맞춘 무용수들의 움직임과 마찬가지로, 샤하르의 편집도 이 작품을 만드는데 최종적인 기여를 했다. 그의 도움이 아니었다면, 이와 같은 작품이 탄생하지 못했을 것이다.

＜Home Alone＞을 통해 내게는 무용 영화라는 놀라운 세계가 열렸다. 나는 이 작품으로 전 세계를 다니며 다양한 워크숍에서 가르치고 있다. 내 생각에, 이번 프로젝트를 통해 내가 배운 최대의 교훈은, 내 마음을 열고 영화를 제작하는 과정에서 실제로 마법이 발생할 수 있다고 ‘믿은’ 것이다. 변화에 개방적인 태도를 취한 것이 작품을 계획하는 것 못지않게 중요하다는 점도 배웠다. 아울러 관찰하고 경청하는 것이야말로 진정으로 풍부한 상상력의 창조를 이끌어낼 수 있는 특성이라는 점도 깨달을 수 있었다.

무용과 영화 사이에 존재하는 관계는 영화 그 자체만큼이나 오래 된 것이지만, 지금은 과거 그 어느 때보다 그에 관한 기술적 수단이 점점 발전하면서, 여전히 둘 사이의 관계에 대해 탐구해야 할 것들이 많아졌다. 그런 관계는 끝이 없고 흥미로워서, 나는 이들 두 가지 예술 형태가 지닌 경계를 더욱 확장시키는 작품들을 서둘러 좀 더 많이 만들고 싶다.

고로, 추측하건대, 나의 영화 인생과 상상 속에 존재하는 무용수로서의 평행적인 삶은 마침내 서로 만난 게 아닌가 싶다. 춤과 영화의 만남은 자연스러우며, 댄스필름을 제작함으로써 나는 내 자신이 늘 바라던 자유로운 댄서가 되는 것에 조금이나마 가까워지게 되었다.

Home Alone: https://vimeo.com/71282287

The making of "Home Alone"
How dance changed my process of filmmaking

Adi Halfin_Director and Screenwriter

I have always been a great fan of dance. In some parallel life, I probably should’ve been a dancer. For me dance is one of the highest forms of art. It resonates with the heart and the body in a way that the mind can’t keep up with. It does not lend itself to rational analysis and words. It connects to your gut and intuition.
After years of being a huge fan of The Batsheva Dance Company, when I was offered the opportunity to create a promotional video for them, I had no doubt that my answer would be “yes”. This “yes” was my first step into a whole new world of opportunities.
Tamir Eting, who was the creative director of an evening by the Batsheva Ensemble dancers called “Home Alone”, approached me with just the name of the evening and said “we need a promo”. The only two conditions were that it should be short and contain all 19 ensemble dancers, but other than that, I had total freedom to pitch any idea that came to mind.
I started rolling ideas in my head. Film is a highly constructed, planned type of art and I wanted to portray the freedom and spontaneity I associated with dance; to show the dancers as I envisioned them: free, wild, surprising and divine. I wanted to recreate my subjective experience by using the art of film: to surprise and mesmerize the audience and to portray dancers as the amazing creatures I saw them to be.
Trying to think about the “Home Alone” title and what it means, for the first time in 15 years of filmmaking, I dared suggest to myself to let go of planning and structure: instead of cracking out a script and finding a location that fits my vision, I decided to work the other way around: find a location that will inspire me and only later decide what to do with it. Being confined by the dogmas of filmmaking up to this point, this decision was my first step towards my own creative freedom. Dance is freedom, and if I want to portray dancers, I should be free too.
This is when magic started to happen. Around the corner from where I lived at the time was a huge brick building, a factory that was built in the 1920s and was shut down long ago, standing deserted ever since. I had always wanted to enter it but the building was barricaded with a tall aluminum fence, blocking it from the observations of curious filmmakers. But on my way home that day, after over 15 years of curiosity around this fascinating building, I saw it open for the first time in my life. I entered the building and was surprised to find there no other that the new owner of the house who was just about to renovate it. He offered me a private tour of this magical place. When I told him I’m searching for a location for a Batsheva video, his eyes lit up. Amazingly, he told me that not only was he one of the company’s biggest fans, he was also a sponsor of theirs; and he gave me immediate permission to enter the place as I please and the freedom to do as I wish. Freeing my mind was starting to pay off.
I spent a whole day there alone, soaking in the place, exploring the visual and emotional opportunities the house offered. What did these two words - “Home Alone” - mean to me, now that I have a physical place to dream in? What can I do with this abandoned space? I’ve seen so many dance films shot in abandoned places. The contrast between the decay of an environment and a lively moving young body is always beautiful. But was this enough? I wanted more.
I started imagining the dancers in the space. I had a vision of revealing the house’s secrets through movement and discovering the dancers’ bodies through the house. I wanted to portray a connection between the house and the dancers and to explore how I can work together with these two beautiful assets I now had - the best dancers in Israel in the most fascinating house in Tel-Aviv.
I then brought my DOP Roman Linetsky to the place and we spent two whole days in the building, discovering it together and taking photos which were the basis for our shooting.
I still needed to figure out the actual dance sequences and we had 19 dancers to put in the video - a big challenge. Together with Tamir and Noam Eidelman, co-producer, we took the decision of working with improvised dance and allowing the dancers to express their own personalities through their body work.
We chose pinkish skin-tone costumes that fit with the grey-blue-pink interior of the house. It was important for everything to feel organic. I wanted the house to have a pulse. Just as the building felt like a house stripped down to its very basic core - naked cement walls - I wanted to depict the dancers in their most natural state - as naked and natural as possible.
A day before the shoot I gathered all ensemble dancers together and told them what it is we’re going to do. However, it was my first time that as a director where I didn’t know exactly what was going to happen and it was thrilling as hell. I had a very well planned shooting with Roman, a tight schedule, and together with Tamir we had a pretty clear idea of the type of movement we wanted. All I could tell the dancers was: “we’re going to have sex together”. They all laughed and that broke the ice and lowered my own anxieties and tension around the shoot. But I actually meant it. I didn’t know the dancers and they didn’t know me, but there was a lot of excitement in the air. This was my first time working with professional dancers and for most of them it was the first time working with a professional filmmaker. So for me this whole piece was about this excitement. It was about discovering, just like two new bodies discover each other when touching for the first time.
I told them: “I have a very clear idea on what we’re going to do tomorrow, but on the other hand I have no idea what’s going to happen. I am going to surprise you, and I’m looking forward to being surprised by you”. And that’s exactly what happened. There were specific things I envisioned, but once a dancer was in the frame - they did things beyond my dreams. As they were stretching their bodies, they were also stretching my imagination to places I could not conceive.
For the first time in my cinematic career, I felt deeply what true flexibility meant - flexibility of the body, the mind and the soul. The dancers were open to my instructions and I was open to their bodies. Roman and I worked with our planned shooting, but as I was hoping the dancers would surprise me, I was expecting Roman to do so too. And he did. From the second he took the camera in his hands, magic happened. Roman is a true artist and the best dance cinematographer a director could wish for. He’s attentive and delicate and captures the movement of bodies in a way that no one else does. I was watching the monitor and couldn’t believe the beauty.
At the end of the day we were struggling with a finale to the video. We already had the final frame with all 19 dancers in it, but wanted something spectacular to lead up to it. Roman had this crazy idea of a dancer jumping behind a pillar and all the ensemble appearing from the other side and landing in their final spots. I thought he was nuts, since we didn’t have the technology to do it accurately. After a few trials of “choreographing” a different final move (and running out of time), I decided to try out Roman’s insane idea. The dancers needed to run from one side of the room, jump synchronously behind a pillar and land in the exact spot we had placed them for their “landing” position. I did not believe it would work - what are the odds they will actually land in the exact place we tell them to? This is where I realized I knew nothing about dance and dancers. We rolled the first take and Boom! There they were! Exactly where we told them to be! My heart missed a beat as I saw this happening. Of course they can! They’re dancers! They can do anything!
The next stage was editing. Editing is always a difficult procedure. It’s always longer than you expect. Editing can kill a film or bring out the best of the footage. In my years as a film teacher, I’ve seen films transform from their first boring rough cut into marvelous exciting stories. An editor is a true magician. This is why I had no doubt this footage is going to be cut by Shahar Amarilio - a musician, a drummer and the best movement editor on earth. I am lucky enough to have him as a friend and when he heard about this project he immediately said he’ll do it.
I love working with Shahar because the first thing he does is throw me out of the editing room and not talk to me for a week. I hand him the footage and I don’t say anything. He takes a few days to get intimate with the footage and by the end of this week, he knows the footage better than I do. In the meantime I was making lists while watching the footage on my own - marking the parts which were my favorite and writing down very accurately what I want where. I handed Shahar my detailed long list and it became a very useful mousepad and a place mat for his ashtray. He never even looked at it. But for me it was an important route to get to know my footage and process it, before our two visions meet in the editing room.
As with every project I’ve worked on - the first cut wasn’t good. The images were beautiful. There was rhythm and all 19 dancers were in it, but there was something missing - a soul. Then I told Shahar what I had told the dancers before the shoot: “think sex”. That’s all it took. Shahar immediately understood me. When he came with the second cut - that’s when he opened the door to his editing studio and we started working until we reached the final result.
Shahar is a true genius. His editing was a huge part of the choreography of “Home Alone”. The way he connected one movement with another was no less than brilliant. The final result was much better than I could imagine. Just like Roman’s beautiful cinematography, just like the dancers’ movements to the music - Shahar’s editing was the final contribution to this piece and it wouldn’t have been the same without him.
“Home Alone” has opened me to the amazing world of dance films, which I now teach in workshops all over the world. I think that the greatest lesson I’ve learned from this project is to open my heart and to believe that cinematic magic can truly happen. I’ve learnt that being open to change is no less important than planning your work, and that observing and listening are qualities that lead to true imaginative creation.
The connection between dance and film is as old as film itself, but now more than ever, together with the growing means of technology, there is still much to explore. It seems endless and exciting and I can’t wait to create more pieces which stretch the limits of these two art forms.
I guess that after all, my cinematic life and my imaginative parallel life as a dancer, have finally met. Dance and film go so well together and by creating dance films, it brings me slightly closer to being the free spirited dancer I always wanted to be.