조아라: 저는 아버지의 권유로 판소리를 시작해서 초등학교 때부터 대학교 때까지 쭉 배워왔어요. 그런데 판소리는 전통이기에 어쩔 수 없이 답습해야 하는 규율과 위계가 있었고, 저랑 잘 맞진 않았어요. 저는 생생하게 놀고 싶었고 창작을 하고 싶었으니까요. 그래서 졸업한 이후에는 무엇을 하면 좋을까 고민이 많았는데, 우연히 연극원에서 연기 수업을 듣게 됐어요. 그런데 너무 재밌는 거예요. (웃음) 무대 위에서 노는 경험이 너무 좋아 연기를 하는 배우로 무대에 서보면 어떨까 싶어서 한국예술종합학교 연극원에 갔는데, 또 다른 이질감이 느껴지더라고요. 연극에서는 서양의 교수법으로 가르치는데, 오랫동안 한국 전통 음악을 해왔던 사람이라 그런지 인지하는 방식이 다른 거예요. 그래서 연극의 언어를 이해하는 데 오랜 시간이 걸렸고 방황도 많이 했어요. 여기에도 저기에도 속하지 못하는 박쥐같았죠. 그런 시기를 보내다, 저 자신을 긍정하고 내가 할 수 있는 걸 시도해보자는 생각에 작품을 만들어봤는데 재밌는 거예요. 그 작업을 계기로 자신감을 얻어 한동안 놓고 있던 판소리를 제 작업에 다시 반영해 봤어요. 무거운 족쇄처럼 느껴졌던 판소리로부터 자유로워지기 위해 오히려 더 파고 들기로 한 거죠. 그 첫 번째 시도가 <어쩔 수가 없어>(2015)에요. 아빠와의 이야기를 담은 작품인데, 제목처럼 아빠와 저의 관계는 ‘어쩔 수가 없다’라는 뜻이에요. ‘어쩔 수가 없어’는 코미디언이었던 아버지의 유행어이기도 한데, 코미디언으로서 남에게 웃음은 주었지만 정작 본인 스스로는 웃을 수가 없던, 마음의 눈이 먼 아버지의 눈을 뜨이게 하고, 제 삶을 구원하기 위한 작품이었죠. 작품에서 저는 굿을 하는 무녀로 분하여 저만의 방식으로 심청가를 재해석했어요. 저에게도, 아빠에게도 큰 전환점이 되었던 작품이었죠.

배우로서 한창 쉼 없이 활동하던 시기인 2016년에 갑작스럽게 부상을 당했어요. 그 사건을 계기로 지금까지는 조급하게 앞만 보며 살아왔다면, 앞으로는 춤추듯이 살고 싶어서 무용을 시작하게 되었죠. 그렇게 한국예술종합학교 무용원 창작과에 입학하게 되었고 움직임을 배우면서 많은 영감을 얻게 되었어요. 그래서 지금까지 장르의 경계를 허물고 자유롭게 넘나드는 시도를 하고 있습니다. 그 중심에는 <판소리움직임 탐구>가 있어요. <판소리움직임 탐구>는 호흡을 통해 소리와 움직임의 연결성을 탐구하는 작업으로, 작년 <판소리움직임 탐구 - 조아라 편>을 시작으로, 올해는 <판소리움직임 탐구 - 무용수 편>을 진행했어요. <판소리움직임 탐구 - 무용수 편>을 준비하면서 무용수들과 오랜 시간 입에서 입으로 소리를 전수하는 과정을 거쳤어요. 그리고 소리와 움직임을 중심으로 진동으로서의 몸, 감정과 호흡으로의 움직임 등을 탐구했죠. 이 과정에서 움직임으로 접근하는 것에 익숙한 무용수들이 소리로서 접근하는 것에 대한 어려움을 발견하기도 했고, 제 몸에서 일어나는 소리와 움직임의 연결지점들을 다른 몸에서도 발현시키기 위해서는 구체적으로 단계를 나누어 제안해야 한다는 것도 알게 되었어요. 이런 지점들은 앞으로 시간을 갖고 지속적으로 탐구해야 할 부분이라고 생각해요. 더욱이 무용수 편은 <심청가> 중 ‘범피중류’ 대목에 집중했죠. ‘범피중류’는 심청이 세상사를 하직하고, 망망대해 한가운데에서 빈 배에 몸을 싣고 인당수에 몸을 던지러 가는 대목의 소리예요. ‘범피중류’를 선택한 이유는 변화무쌍한 물의 특성처럼 소리가 여러 형태로 변화하며 밑에서 위 쳐올리기도 하고 뚝 떨어지기도 하고, 떨리기도 하고, 멀리 뻗어나가는 듯한 움직임을 느낄 수 있기에, 마치 소리로 공간에 그림을 그리는 것 같은 인상을 주죠. 에너지가 끊임없이 형태를 변화하며 흐르는 소리의 운동성이 움직임으로 확장하기에 적합한 대목이기 때문에 이 대목을 선택하게 됐어요.

이재영: 저는 할아버지랑 고모가 소리를 하셔서 전통을 간접적으로 경험할 기회가 많았는데, 오히려 전통음악이나 연희를 하시는 분들이 훨씬 자유로운 것 같았어요. 제가 어렸을 때 힙합을 했는데, 힙합은 전혀 자유롭지 않았거든요. (웃음) 웨이브는 이렇게 해야 하고, 스텝은 저렇게 해야 하고, 규칙이 많고 방식을 익혀야 하죠. 그런데 왜 힙합이 자유의 상징이 된 걸까 궁금했던 적이 많아요. 그렇다면 나는 무엇을 해야 자유로워질 수 있을까 생각하다가, LG아트센터에서 피나 바우쉬(Pina Bausch)의 공연을 보게 됐어요. 그런데 정말 말도 안 되게 자유로운 거예요. ‘저런 걸 해봐야겠다!’하고 무용을 시작하게 됐는데, 막상 학원과 학교에 가 보니, 커리큘럼이 짜여 있고 답답한 건 매한가지였어요. 발레를 배워야 하고 테크닉을 익혀야 했죠. 배우면 배울수록 답답했고, 교육은 결국 나에게 주는 철창이라는 생각이 들었죠.

그때부터 저는 하고 싶은 게 생기면 배우지 말고 무작정 해보게 됐어요. 그저 처음에는 아주 기본적인 상식을 습득하기 위해 서점에 가서 책을 봤어요. 기타도 그렇게 시작했죠. 아주 오래전부터 기타를 배우고 싶었는데, 형이 군대에서 기타리스트가 되어 나타난 거예요. 형한테 배우면 될 텐데, 배우게 되면 철창에 갇힐 거라는 생각에 혼자서 연습하기 시작했어요. 음계도 모르는 상태에서 무작정 소리를 내보고, 소리가 좋으면 그 소리랑 어울리는 저음의 소리를 찾으면서 화음을 찾아가곤 했죠. 그렇게 기타를 배워보니 대단한 음악을 연주하진 못하더라도 음악을 만들 수는 있겠더라고요. 그런 식으로 지금은 계속 기타를 연주하며 작업에 반영하는 과정 중에 있어요. 자유롭게 풀어두고 어떤 벽에 걸리면 그건 찰나의 장치로 받아들이는 거죠.

아, 최근에 비슷한 일이 있었는데, 기타의 반음계를 연주하는 걸 크로마틱 스케일(Chromatic Scale)이라 부르더라고요. 저는 그걸 배우지 않아서 몰랐는데, 좋아하는 재즈 음악을 따라 하려고 연주 영상을 보다가 알게 됐어요. 그전까지 제게 반음은 음계를 벗어나는, 어울리지 않은 소리였는데 재즈라는 장르에는 그걸 넘어선 아름다움이 있더라고요. 춤도 마찬가지예요. 처음에 발레 바(Bar)부터 배울 때는 재미가 없었는데, 바의 중요성을 알고 그것이 나의 몸을 바꾸어준다는 것을 아니까 재밌거든요. 제가 누군가를 가르칠 때도 그렇게 해요. 움직임 순서를 일부러 뒤죽박죽 알려준 다음에, 그 친구가 정교하게 표현하고 싶은 게 생기면 그것을 하려면 필요한 테크닉을 알려주죠. 더 자유롭게 움직이도록 하기 위해서요. 그런 부분에서 음악과 무용이 맞닿아있는 지점이 있네요.

김바리: 좋아서 시작한 것이 강제성을 가지면 즐기기 어려워진다는 말이 공감되네요. 제 초등학교 시절 이야기인데, 제가 원래 노래 부르는 걸 좋아하고 잘했거든요. 그런데 어느 날 교감 선생님이 마이크를 주면서 학교 방송 카메라 앞에서 부르라고 하는 거예요. 그걸 제가 거절하니까 학교가 난리가 난 거죠. 화장실에 숨어 있는 저를 찾기 위해 선생님들이 이리저리 뛰어다니고, 욕설이 난무하던 그 상황이 큰 트라우마가 되어서 오랜 시간 노래를 부르지 못했어요. 맛있는 걸 먹으면 신나서 노래를 흥얼거릴 법도 한데, 그것도 안 되더라고요. 그 정도로 오랜 시간 저의 마음속에 노래에 대한 트라우마가 자리해 있었어요. 그래서 요즘 무술을 배우며 기합을 지르나 봐요. 그렇게 쩌렁쩌렁 기합을 내질러야만 속이 풀리는 것 같거든요. (웃음)

시작점으로 거슬러 올라가자면, 저희 집에는 수천 장의 LP가 있었어요. 그만큼 음악을 좋아하시던 아버지는 제게 악보를 가져와서 듀엣을 하자고 제안하시기도 했죠. (웃음) 그렇기에 본래 음악은 제게 자연스럽고 익숙한 것이었어요. 의외로 대학에서는 불문학을 전공했어요. 그때까지만 해도 춤은 전혀 모르고 지냈죠. 대학 시절, 저는 학교 방송국에서 보도부 기자를 하고 있었는데, 우연히 촬영을 위해 들어간 극장에서 리허설 중이던 춤 공연을 보게 됐어요. 그걸 보면서 ‘아 저걸 해야겠다. 왜 나는 저런 세계를 몰랐지’라는 생각이 들어, 바로 춤을 시작했죠. 그때만 해도 춤을 어떻게 대해야 할지, 어떻게 배워야 할지 몰라서 무작정 움직임을 제게 익숙한 방식인 언어나 그림으로 기록했어요. 그렇게 춤을 만들어 다큐멘터리 형식으로 담고, 내레이션을 추가한 댄스 다큐멘터리를 만들기도 했죠. 그 정도로 제게 춤은 언어와 함께였어요.

그러다 2005년에 독일로 낸시 스타크 스미스(Nancy Stark Smith)의 컨택 수업을 들으러 간 곳에서 즉흥 뮤지션인 마이크 벌거스(Mike Vargas)를 만났어요. 그 음악가가 즉흥 워크숍을 진행했고, 68가지의 방식으로 소리를 듣도록 했어요. 우리는 주변의 소리를 무거운가, 가벼운가, 높은가, 낮은가, 무슨 색인가 등으로 인식하여 몸으로 표현했죠. 그렇게 소리에 대한 인식을 무한대로 넓히고, 나아가 세계를 바라보는 방식을 구체화하게 됐어요. 한국에 서는 지금의 더 광대, 천하제일탈공작소로 활발히 활동하는 탈춤 꾼들과 어울리며 콘셉트를 넘어선 흥에 대해, 춤과 음악이 어우러지는 즉흥성에 대해, 표현과 몸, 숙련에 대해 큰 깨달음을 얻었죠.

그렇게 2012년까지 한국과 외국을 오고 가다가, 한국에 본격적으로 들어오면서 제주도에 자리 잡게 됐어요. 제주도의 바람도 느끼고, 자연에서 농사도 짓고, 직접 밥도 지어 보고, 잡히는 모든 것을 만들어봤죠. 그렇게 만든 것들을 집에 두고 가만히 앉아있으니 바람이 불어오면서 여기저기서 소리가 엄청 들리는 거예요. 처마 밑에 걸려있는 것들이나 병뚜껑이 부딪히면서 소리를 내는 식이죠. 정말 충격이었어요. 아무것도 없었는데 왜 소리가 나지? 아, 원래 여기 있었는데 나한테 보이지 않았던 것들이 드러난 거구나. 소리와 춤이란 이런 거구나 싶었죠. 그때 받았던 충격이 바리나모의 ‘풍경’ 프로젝트의 시작이에요. 춤과 음악이 풍경을 구현하고, 모든 것이 맞물려 서로 영향을 주며 변화하는 거죠. 그 작업을 하면서 몸이란 무엇인지 알고 싶다는 생각으로 나모와 함께 바디마인드 센터링을 배우기 시작했어요. 제대로 한번 배워보자는 마음으로 자격증 과정을 시작하였고, 해부학책을 보면서 장기, 피부, 면역 등에 대해 공부하기 시작했죠.

그렇게 몸의 구조를 공부하자, 움직임과 소리가 만나기 위해선 어떤 정보와 어떤 경험이 필요한지 궁금해졌어요. 그 이후에 2018년에 서울에서 열린 ‘아시아 즉흥예술교류’에서 타무라 료(Tamura Ryo)와 만나게 되었고, 그와 무용가들이 음악을 듣는 방법에 대한 이야기를 나누었어요. 이 만남을 계기로 저와 나모, 타무라 료 셋이서 2019년에 <가무>라는 이름의 리서치 레지던시를 시작하였고, 거기서 춤과 음악은 하나라는 것이 어떻게 경험될 수 있는가를 하루종일 토론하고 실험했어요. 그때부터 지금까지 소리를 내고, 음악을 연주하고, 움직여 보는 걸 2년 정도 해왔고, 이제 <가무> 3년 차를 준비하고 있네요. 그렇게 리서치를 계속한다면 소리라는 추상적인 것에 구체적으로 다가갈 수 있겠죠.

안이호: 저는 정가악회에서 남창지름시조 ‘바람이’를 편곡한 곡(이태원 편곡)을 부르던 때, 처음으로 소리를 하며 움직여봤어요. 그런데 노래가 안 되는 거예요. 충분히 연습했는데도 발을 떼니까 호흡이 달라지면서 노래가 달라지더라고요. 발을 뗐으면 발을 뗀 것과 맞추어 노래도 바뀌어야 하고, 그렇지 않으면 호흡이 막혀서 진행이 안 되는 거죠. 걸음을 떼면 호흡이 바뀌고, 호흡이 바뀌면 노래도 바뀌어요. 그렇게 움직임에 따라 노래가 바뀌는 게 과연 맞는 건가 헷갈리다가, 그게 맞겠다는 확신을 준 작품이 안은미 선생님의 <바리>예요. 그때 선생님께서 저한테 가발을 쓰고 기어가면서 소리를 내보라고 하시길래 무작정 해봤는데 되더라고요. 그게 될 거라 상상해보지 못했는데 말이죠. 그 이후로 앞구르기를 하거나 옆돌기를 하면서 소리를 내는 등 이상한 시도를 많이 해 봤는데, 안 되는 것은 안 되지만 의외로 되는 것이 많았어요. 움직이면서 쓰는 근육과 노래하면서 쓰는 근육이 부딪히기도 하고 부딪히지 않기도 하는 거죠. 그런 식으로 끊임없이 숨을 어디로 보낼지, 어떤 근육을 사용하여 움직일지 선택하는 것 같아요. 최대한 연습을 해보겠지만 현실적인 제약이 있잖아요. 이렇게 움직이고 싶은데 몸이 마음대로 움직이지 않거나, 그날의 컨디션이 좋지 않아서 안 되거나 등등 다양한 상황이 있을 수 있으니 그에 따라 선택이 필요한 거죠.